Modernism

Supplied original text Modernism (English: modernism) refers to: Modernism. Experimental artistic movements that arose in various fields in the early twentieth century. Also called modern art (discussed in detail in this article). A movement that arose in the Catholic Church in the late nineteenth century and advocated a faith suited to the modern age, but was deemed heretical. See Modernism (Catholicism). For modernist movements in Spanish and Portuguese, see Modernismo. Modernism refers to artistic movements that emerged from the twentieth century onward, particularly avant-garde tendencies centered on the 1920s after the First World War (the interwar period). In contrast to established nineteenth-century art, these movements sought forms of expression unbound by traditional frameworks. Frank Lloyd Wright, Solomon R. Guggenheim Museum, 1946–1959[1] Modernism in Various Fields Literature In literature, the term refers to experimental works by James Joyce, T. S. Eliot, and others (modernist literature). The modernist movement in Latin American literature, in particular, is known as Modernismo literature. Speaking about the relationship between art and tradition, T. S. Eliot said that our forebears emphasized their immortality[2]. Painting Various movements, including Impressionism, Neo-Impressionism, Fauvism, Futurism, Cubism, Surrealism, and Pop Art, arose as new movements in painting in opposition to the traditional, conservative art establishment[3]. See Twentieth-Century Art. Modernism often rejects nineteenth-century realism when the latter is understood as focusing on the embodiment of meaning in naturalistic representation. Some modernists instead sought a more realistic realism. For example, Picasso's 1907 proto-Cubist painting Les Demoiselles d'Avignon represents its subjects on a flat, two-dimensional pictorial plane rather than from a single viewpoint. Picasso's The Poet of 1911 is similarly decentered, depicting the body from multiple perspectives. The Peggy Guggenheim Collection comments that Picasso presents multiple views of each object, as though he had moved around it, and combines them into a single composite image. There are various theories about the beginning of modernism in painting. One of the earliest places the starting point of the avant-garde in France at the Salon des Refusés of 1863, where painters who would later become Impressionists and others exhibited after being rejected by the academy's Salon. However, major support for modernism came from the Museum of Modern Art (MoMA) in New York, which opened in 1929, and the American art critic Clement Greenberg, who published the essay Avant-Garde and Kitsch in 1939. After the turbulence of the 1960s, the end of modernism began to be proclaimed around the late 1970s. (See Postmodernism.) Philosophy and Thought In philosophy and political thought, the term refers to ideas centered on human reason since the Enlightenment, in opposition to authoritarian ideas and systems such as classical monarchy, theocracy, and feudalism. Modernism has roots in thinkers such as Machiavelli[4], and its philosophers included Sartre, Nietzsche, Merleau-Ponty, and Jaspers. Modern philosophy, or modernism, is also sometimes criticized by postmodernism for its human-centered outlook, belief in progress, emphasis on industry, and tendency toward uniformity. Architecture In architecture, movements such as the Vienna Secession, De Stijl, and the Bauhaus rejected historical styles that used ornament from the past; from these tendencies eventually emerged the modern architectural movement, which regarded rational, functional architecture as its ideal[5]. Le Corbusier, Mies van der Rohe, and Frank Lloyd Wright are considered representative architects of modern architecture worldwide (modernist architecture). One landscape style favored around the world in the twentieth century was the naturalistic landscape garden. The main reason for its popularity was that naturalistic planting, which could serve as a restrained “ground,” was best suited to modern architecture, which rejected the pressure and symbolism of architecture. The conclusion is that landscape did not fail to become modern because, as Fletcher Steele wrote in his work (F. Steele (1930): New Pioneering in Garden Desi Landscape Architecture, October.), “trees remained trees; therefore landscape could not be modernized.” Rather, it could not achieve modernity because it was compelled to appear natural. The restructuring of cities in accordance with the ecological distribution of vegetation had already been undertaken in the early twentieth century by Frederick Law Olmsted, the forefather of modern landscape architecture. Boston's Emerald Necklace is one example. Rather than defining Boston's outskirts through artificial forms, it sought to define them through continuous vegetation following the waterways. This was not only a solution to social problems such as sanitation and welfare, but also an extraordinary feat of translating that organic form into a transportation system called the parkway. It was a proposal for vegetation that addressed the problems of modernity in a multifaceted way, rather than the one-dimensional idea of adding greenery to cities. While regional planning was developing through this reassessment in terms of ecological zones of vegetation, pioneers such as Dan Kiley began actively experimenting with new garden compositions around the 1940s so that planting could become a new language in spatial design. Further experiments in Minimalism[6] and environmental art took place during the 1960s and 1970s. In these, one can see the rhythm pursued by early landscape architects, as well as ways of handling plants in environmental art. David Nash, for example, incorporated the process of sawing timber into the creation of works based on ideas such as “wood as a sculptural material was originally a tree.” According to J. Andrew[7], he stood at the intersection between the sculptor's intention to move toward minimal forms and the contingent forms of trees as living organisms. Minimalist art was based on a “rejection of rhetoric.” When the approach of excluding all narrative from form—a concept within modern visual art—was extended to landscape by Dieter Kienast in Europe and by the next generation, including Peter Walker, it brought the distinctive qualities of plants as living materials into renewed focus. Within arrangements purified to the utmost, plants revealed their formal value as living organisms: no two could have the same form. Meanwhile, George Hargreaves developed environmental art's interest in plants into an approach that entrusted the restoration of landfill sites as parks and the improvement of riverbanks to the contingency of spontaneously growing plants. He focused on how much environmental art drew inspiration from the biological characteristics of plants—individual variation, contingency, and proliferation—and created a formal language of resistance to institutions and questioning of structures. Minimalism Minimalism denotes movements in various forms of art and design, particularly visual art and music. In these movements, artists reveal the essence or identity of a subject by eliminating all nonessential forms, features, or concepts. Minimalism is a design or style that achieves the greatest effect through the simplest, most minimal elements. As a particular movement in art, it is associated with developments in Western art after the Second World War, most strongly with American visual art of the 1960s and early 1970s. Prominent artists associated with the movement include Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Ronald Bladen, Anne Truitt, and Frank Stella.[8] It arose from the reductive aspects of modernism and is often interpreted as a response to Abstract Expressionism and a bridge to postminimalist art. By the early 1960s, Minimalism had emerged as an abstract movement in art (Kazimir Malevich's geometric abstraction,[9] the Bauhaus, and Piet Mondrian), in contention with relational and subjective painting, ideas about the complexity of abstract expressionist surfaces, and the emotional spiritualists and polemicists found in action painting. Minimalism argued that extreme simplicity could capture all the sublime expression necessary in art. It has variously been interpreted as a precursor to postmodernism or as a postmodern movement in its own right. In the latter view, early Minimalism produced advanced modernist works, but the movement partially abandoned this direction when some artists, such as Morris, changed course in support of the Anti-Form movement. In his essay The Minx of Minimalism[10], Hal Foster examines whether Donald Judd and Robert Morris both acknowledge and surpass Greenbergian modernism in their published definitions of Minimalism[10]. He argues that Minimalism is not a “dead end” of modernism but a “paradigm shift toward contemporary practices that continue today”[10]. The term was extended to encompass musical movements characterized by repetition and reiteration, such as the compositions of La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass, and John Adams. Minimalist composition is known as systems music. In colloquial use, “minimalist” means something spare in, or stripped down to, its essential elements. It has also been used to describe Samuel Beckett's plays and novels, Robert Bresson's films, Raymond Carver's stories, and Colleen Chapman's automobile designs. Smithson's Spiral Jetty seen from the top of Rozel Point in Utah, United States, in mid-April 2005. Created in 1970 and still in existence, it is often submerged beneath the lake's surface as the water level changes. Composed of earth, salt, and basalt, it weighs approximately 6,500 tons. Modernism in Africa and Asia Santiniketan: The Making of a Contextual Modernism (see also Santiniketan: The Making of a Contextual Modernism and Hanshinkan Modernism). Peter Kalliney suggests that “modernist concepts, especially aesthetic autonomy, were fundamental to the literature of decolonization in anglophone Africa”[11]. In his view, Rajat Neogy, Christopher Okigbo, and Wole Soyinka were among the writers who “repurposed modernist aesthetic autonomy to declare freedom from colonial bondage, from systems of racial discrimination, and even from a new colonial era”[12]. According to the scholar William J. Tyler, the terms “modernism” and “modernist” have only recently become part of standard English-language discourse about modern Japanese literature, and questions remain about their validity in relation to Western European modernism. Tyler finds this curious in light of the clearly modern prose of prominent Japanese writers such as Yasunari Kawabata, Kafū Nagai, Jun'ichirō Tanizaki[13], and Riichi Yokomitsu. However, “scholars of visual art, architecture, and poetry readily accepted ‘modernism’ as an important concept for describing and analyzing Japanese culture of the 1920s and 1930s”[14]. In 1924, various young Japanese writers, including Yasunari Kawabata and Riichi Yokomitsu, launched the literary magazine Bungei Jidai (“Artistic Age”). This magazine was “part of an ‘art for art's sake’ movement influenced by European Cubism, Expressionism, Dada, and other modernist styles”[15]. The Japanese modernist architect Kenzō Tange (1913–2005) was one of the architects who combined traditional Japanese styles with modernism, and he designed buildings on every continent. He said, “I think it was around 1959 or the beginning of the 1960s that I started thinking about what I later called structuralism”[16]. His modernism was influenced by Le Corbusier, and he became famous after winning the design competition for Hiroshima Peace Memorial Park in 1949. In China, the “New Sensationists” (the New Sensory Stimulation School, Xīn Gǎnjué Pài) were a Shanghai-based group of writers influenced by Western and Japanese modernism during the 1930s and 1940s. They wrote fiction more concerned with the unconscious and aesthetics than with politics or social issues. These writers included Mu Shiying, Liu Na'ou, and Shi Zhecun. In India, the Progressive Artists' Group was a group of contemporary artists based in Mumbai, India, formed mainly in 1947. Although it lacked a specific style, it synthesized Indian art with European and North American influences from the first half of the twentieth century, including Post-Impressionism, Cubism, and Expressionism. Source and contextual reading No original source URL or bibliography accompanied the supplied text. Citation markers [1]–[16] are retained as part of that text. The full text, including its dates, names and attributed quotations, has not been independently verified. Materials from MoMA, the V&A, and The Metropolitan Museum of Art provide context for experimentation in modern art, the Bauhaus and modern architecture, and encounters between international practices and local traditions in India. They do not establish or verify the source of every assertion in the supplied original note. Modern art — MoMA Modernist architecture: the Bauhaus and beyond — V&A Modern Art in India — The Metropolitan Museum of Art

提供された原文 モダニズム（英語: modernism）とは、 近代主義のこと。 20世紀初頭に各分野で起こった実験的な芸術運動。モダンアートともいう（本項で詳述）。 19世紀の末、カトリック教会で起こった運動で、現代にふさわしい信仰を主張したが、異端とされた。近代主義 (カトリック)を参照。 スペイン語やポルトガル語におけるモダニズム運動は、モデルニスモを参照。 モダニズム（Modernism）は20世紀以降に起こった芸術運動、特に第一次世界大戦以後（戦間期）の1920年代を中心にした前衛的な動向を指す。従来の19世紀芸術に対して、伝統的な枠組にとらわれない表現を追求した。 フランクロイドライト、ソロモングッゲンハイム美術館 1946年 - 1959年[1] 各分野のモダニズム 文学 文学では、ジェームズ・ジョイス、T・S・エリオットらの実験的な作品を指す（モダニズム文学）。特にラテンアメリカ文学におけるモダニズム運動は、モデルニスモ文学として知られる。T・S・エリオットは芸術と伝統の関係について、先祖たちはその不死性を強調したと語った[2]。 絵画 伝統的・保守的な画壇に対する新しい絵画ムーブメントとして印象派、新印象派、フォービズム、未来派、キュビズム、シュルレアリスム、ポップアート等の様々な運動が起こった[3]。20世紀美術を参照。モダニズムは、19世紀のリアリズムが自然主義的な表現における意味の具体化に焦点を当てていると理解される場合、それをしばしば拒絶する。代わりに一部のモダニストは、よりリアルなリアリズムを目指した。たとえば、ピカソの1907年のプロト・キュビズム絵画「アヴィニョンの娘たち」は、被写体を単一の視点からではなく、代わりに平らな2次元の絵画平面で表現している。 1911年のピカソの「詩人」も同様に中心から外れており、身体を複数の視点から表現している。ペギー・グッゲンハイム・コレクションは、ピカソは、あたかも物体の周りを移動したかのように、各物体の複数の視点を提示し、それらを1つの複合画像に統合しているとコメントしている。 絵画におけるモダニズムの始まりについては諸説ある。もっとも早くには1863年フランスの落選者展（芸術アカデミーのサロンに落選した後の印象派の画家などが出展）をアバンギャルド（前衛芸術）の出発点とする。しかし、モダニズムを大きく支えたのは1929年に開館したニューヨーク近代美術館 (MoMA) と、1939年に論文『アヴァンギャルドとキッチュ』を発表した米国の美術評論家クレメント・グリーンバーグであった。激動の1960年代を通過したのち、1970年代後半頃からモダニズムの終焉が叫ばれた。（ポストモダン参照） 哲学・思想 哲学や政治思想の分野では、古典的な君主制や神政政治や封建主義などの権威主義的な思想や体制に対し、啓蒙主義以降の『人間の理性中心の思想』を指す。モダニズムはマキャベリらをルーツとして[4]、モダニズムの哲学者には、サルトル、ニーチェ、メルロ・ポンティ、ヤスパースらがいた。 また「近代哲学」、もしくはモダニズムは、ポストモダニズムによって、その人間中心、進歩主義、産業中心、画一化などを批判されることがある。 建築 建築においては、過去の装飾を用いた様式建築を否定するウィーン分離派、デ・スティル、バウハウスなどの動向から、やがて合理的、機能的な建築を理想と考える近代建築運動が起こった[5]。ル・コルビュジエ、ミース・ファン・デル・ローエ、フランク・ロイド・ライトらが世界近代建築の代表的な建築家とされている（モダニズム建築）。 20世紀に世界中で好まれたランドスケープの一つに、自然風景式庭園様式がある。人気となった最大の理由は、建築からの圧力や記号性を否定した近代建築にとって、控えめな「地」を演じてくれる自然風植栽が最適だったからであり、ランドスケープは、フレッチャー・スティールが自著(F. Steele (1930): New Pioneering in Garden Desi Landscape Architecture、October.)で述べた「木が木でありつづけた。ゆえにランドスケープは近代化されえなかった」のではなく、「自然風であること」を強要されたゆえに近代を実現できずにいたと結論されている。 植物生態分布に沿う都市の再編は、近代ランドスケープの祖、フレデリック・ロー・オルムステッドにより20世紀初頭にすでに行われている。たとえばボストンの「エメラルドネックレス」である。それは、ボストン郊外を人為的形態ではなく水系にそった植生の連続で規定しようとしたもので、衛生や福祉といった社会問題の解決だけでなく、その有機的形態をパークウェイという交通システムに翻訳するという離れ業でもあった。都市に緑をという一元的発想ではなく、近代の問題を複合的に解く植生提案だったのである。広域計画がこのように植生生態域から見直されるという展開を遂げていた一方、空間デザイン領域での植栽は新しい言語たりえるようダン・カイリーたち先駆者らが1940年代頃から積極的に新しい庭園構成を試みる。 更に1960から70年代にかけてミニマリズム[6]や環境アートの実験があり、そこにランドスケープアーキテクト初期が追い求めていた、リズムと環境アートのなかの植物の扱い方を見ることができる。 例えば「木材という彫刻素材は、もとは樹木である」などの作品で製材という工程を制作過程にとり入れたディビッド・ナッシュは、J.アンドリューによると[7]ミニマルな形態に向かう彫刻家の意志と、樹木という生物の偶発的形態の交差点に位置していた。 ミニマリズム・アートは「修辞の否定」の上に位置し、近代の視覚美術の一概念 形態からすべての物語性を排除するかたちが、ヨーロッパのディーター・キーナストや次世代のピーター・ウォーカーらによりランドスケープに展開されたとき、それはあらためて植物という生物素材の特質を際立たせることになった。すなわち極限まで純化された配列の中において、植物はその生物としての形態価値-ひとつとして同じ形のものはありえないことを顕在化させたのである。一方、ジョージ・ハーグレイブスは環境アートの植物への関心を埋立地の再生公園や河川敷整備を自生植物の偶発性にゆだねるという手法として展開した。 環境アートの多くが植物の生物としての特質個体差、偶発性そして増殖に発想の多くを得ており、制度への反駁や構造への反問の形態言語をつくり出したことに着目したのである。 ミニマリズム ミニマリズムは様々な形の芸術やデザイン、特にビジュアルアートや音楽の動きを表している。そこでは芸術家はすべての必須ではない形、特徴、または概念を排除することを通して主題の本質またはアイデンティティを明らかにすることになる。ミニマリズムとは、最もシンプルで最小限の要素で最大限の効果が得られるようなデザインやスタイルである。 芸術における特別な動きとして、それは第二次世界大戦後の西洋美術の発展、最も強力には1960年代と1970年代初頭のアメリカの視覚芸術と同一視されている。この運動に関連した著名な芸術家には、ドナルド・ジャッド、ジョンマッククラッケン、アグネス・マーティン、ダン・フラビン、ロバート・モリス、ロナルド・ブレーデン、アンネ・トライト、そしてフランク・ステラが含まれる。[8] それはモダニズムの還元的側面から派生したものであり、抽象表現主義に対する反論およびポストミニマル美術への架け橋として解釈されることが多い。1960年代初頭までには、ミニマリズムは芸術における抽象的な動きとして現れ（ カジミール・マレヴィッチ 幾何学的抽象、[9] バウハウスとピエト・モンドリアン ）、リレーショナルと主観的絵画、抽象的な表現主義的表面の複雑さの概念 アクション・ペインティングの分野に存在する感情的な精神主義者と論争者。ミニマリズムは、極端な単純さが芸術に必要な崇高な表現のすべてを捉えることができると主張した。ミニマリズムはポストモダンの前兆として、あるいはポストモダン運動そのものとして様々に解釈されている。後者の見方では、初期のミニマリズムは先進的なモダニズム作品を生み出した、しかし、モリスのような何人かのアーティストがアンチフォーム運動を支持して方向を変えたとき、運動は部分的にこの方向を放棄した。 Hal Fosterは、彼のエッセイ、The Minx of Minimalism [10]において、出版されたミニマリズムの定義において、Donald JuddとRobert MorrisがどちらもGreenbergian Modernismを認め、それを上回るかを検証している[10]。彼は、ミニマリズムはモダニズムの「行き止まり」ではなく、「今日も続いている現代的な慣行へのパラダイムシフト」と主張している[10]。 その用語は、ラ・モンテ・ヤング、テリー・ライリー、スティーブ・ライヒ、フィリップ・グラス、そしてジョン・アダムスの作曲のような繰り返しと繰り返しを特徴とする音楽の動きを網羅するように拡張された。ミニマリスト作曲は、システムミュージックとして知られている。「ミニマリスト」という用語は、口語的に、その本質的要素に余裕がある、または取り除かれているものを意味する。それはまたサミュエル・ベケット の演劇や小説、ロベール・ブレッソンの映画、レイモンド・カーヴァーの物語、そしてコリーン・チャップマンの自動車デザインを記述するのにも使われてきた。 2005年4月中旬に米国ユタ州のRozel Pointの頂上からのスミッソンのSpiral Jetty。1970年に作成されて現在まで存在するが、水位の変化でしばしば湖面の下に沈む。土と塩に玄武岩から構成され、約6500トンある。 アフリカとアジアのモダニズム サンティニケタン：文脈的モダニズムの形成（「Santiniketan: The Making of a Contextual Modernism」と「阪神間モダニズム」も参照）。 Peter Kallineyは、「モダニストの概念、特に美的自治は、英語圏のアフリカにおける脱植民地化の文学にとって基本的なものであった」と示唆しているが[11] 彼の意見では、Rajat Neogy、Christopher Okigbo、およびウォーレ・ショインカ、らは「植民地の束縛からの自由、人種差別の体系から、さらには新しい植民地時代からの自由を宣言するために近代主義的な美学的自治を再目的とした」作家の一人だった[12]。 学者のWilliam J. Tylerによると、「modernism」と「modernist」という用語は、つい最近になって近代日本文学に関する英語の標準的な言説の一部となり、西ヨーロッパのモダニズムに対するそれらの信憑性に関する疑問が残る。 川端康成、永井荷風、谷崎潤一郎[13]、横光利一のような著名な日本の作家の、明らかに現代的な散文を考えると、タイラーはこの奇妙なことに気づく。しかし、「1920年代と1930年代の日本の文化を記述し分析するための重要な概念として、視覚と芸術、建築、詩の学者たちは「 モダニズム 」を容易に受け入れた[14]。1924年、川端康成など、様々な日本の若い作家が、横光利一は文芸雑誌文芸時代 （「アーティスティック・エイジ」）を開始した。この雑誌は「ヨーロッパのキュービズム、表現主義、ダダ、そして他の近代主義的スタイルによって影響を受けた「 芸術のための芸術 」運動の一部だった[15]。 日本のモダニスト建築家、丹下健三 （1913-2005）は、伝統的な日本のスタイルとモダニズムを組み合わせた建築家の一人であり、各大陸で建物を設計した。彼は「私が後で構造主義と呼んだものについて考え始めたのは、1959年頃か60年代の初め頃だったと思います」と語った[16]。彼のモダニスズムはコルビュジエの影響を受けており、1949年に広島平和記念公園のデザインコンペで優勝し、有名になった。 中国では、「 新感覚主義者 」（新感覚刺激派、XīnGǎnjuéPài）は上海を拠点とする作家のグループで、1930年代と1940年代に西洋と日本のモダニズムの影響を受けた。彼らは政治や社会問題よりも無意識や美学に関心があるフィクションを書いた。これらの作家の中にはMu Shiying、Liu Na'ou、およびShi Zhecunがいた。 インドでは、プログレッシブアーティストグループ（Progressive Artists' Group）が、主に1947年に結成されたインドのムンバイに拠点を置く現代のアーティスト のグループだった。それは特別なスタイルを欠いていたが、それはポスト印象派、キュービズムと表現主義を含む20世紀の前半からヨーロッパと北アメリカの影響でインドの芸術を総合した。 出典と補助資料 原文の出典URLと参考文献一覧は提供されていないため、[1]〜[16]の引用番号は原文の表記として残しています。年代、人名、引用の帰属などを含む原文全体を検証したものではありません。 MoMA、V&A、メトロポリタン美術館の資料は、近代美術の実験性、バウハウスと近代建築、インドにおける国際的な表現と地域の伝統の交差を確認するための補助資料です。提供された原文全体の出典を特定・検証したものではありません。 近代美術 — MoMA モダニズム建築：バウハウスとその先 — V&A インドの近代美術 — メトロポリタン美術館